Leyendo un artículo llegué a otro. Y de ese, a otro más.
A veces la lectura sigue recorridos que uno no había previsto y termina llevándolo bastante lejos del punto de partida.
En uno de esos saltos aparecieron los prerrafaelitas. El nombre me llamó la atención porque encerraba una reacción: un grupo de artistas del siglo XIX se definía en relación con Rafael, un pintor muerto más de trescientos años antes.
IZQ. El despertar de la conciencia, de William Holman Hunt.
¿Quién era Rafael?
Rafael Sanzio fue uno de los grandes maestros del Renacimiento italiano. Durante sus años en Florencia estudió con atención la obra de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, y asimiló parte de sus hallazgos sobre el espacio, la luz, la figura humana y la expresión.
A partir de esas influencias desarrolló un lenguaje propio, reconocible por la claridad de sus composiciones, el equilibrio entre las figuras y una armonía que nunca resulta accidental.
Su prestigio hizo que durante siglos se convirtiera en una referencia para la enseñanza artística. Con el tiempo, algunos principios asociados a su obra —la belleza ideal, el orden y la composición equilibrada— terminaron endureciéndose hasta convertirse en convenciones académicas.
La reacción prerrafaelita se dirigió contra esas convenciones. Su crítica apuntaba a una enseñanza que había transformado determinados recursos del Renacimiento en una manera supuestamente correcta de pintar.
La influencia de Rafael alcanzó a artistas muy distintos. Nicolas Poussin, por ejemplo, estudió su obra y la tradición clásica, pero desarrolló a partir de ellas un lenguaje personal, lleno de alegoría, movimiento y tensión. La herencia de un maestro nunca produce un único resultado.
La danza de la vida humana, de Nicolas Poussin, hacia 1634-1636.
En 1848, William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y otros cuatro compañeros fundaron en Londres la Hermandad Prerrafaelita.
Eran jóvenes y estaban descontentos con la enseñanza de la Royal Academy. Querían recuperar la sencillez, la intensidad y la atención al detalle que encontraban en el arte medieval y en el primer Renacimiento, anterior a Rafael.
Trabajaban directamente del natural, buscaban una gran precisión botánica y utilizaban colores luminosos. Al mismo tiempo, sus escenas estaban cargadas de referencias literarias, morales y simbólicas.
En sus cuadros, una hoja, una flor o un objeto cotidiano podían participar activamente en el significado de la escena. La naturaleza exigía observación y dejaba de funcionar como un fondo genérico.
El paralelismo con las redes sociales funciona si se mantiene el matiz.
Hoy vemos jardines impecables, fotografiados en su mejor momento y desde el ángulo preciso. El proceso, el desgaste y el paso del tiempo suelen quedar fuera del encuadre. Todo aparece recién terminado, ordenado y preparado para producir un efecto inmediato.
La dificultad aparece cuando esa selección se confunde con la realidad cotidiana de un jardín.
Las redes favorecen la uniformidad y el impacto inmediato. Terminamos viendo los mismos acabados, las mismas composiciones y una idea de perfección que apenas deja espacio para los ciclos naturales.
Mostrar el resultado final es lógico. Convertirlo en la única imagen posible del jardín crea una expectativa difícil de sostener. La tierra removida, la espera, las podas, las sustituciones y las plantas que necesitan tiempo también forman parte de la calidad del proyecto.
El paisaje trabaja con materia viva. Para comprenderlo hay que observar cómo arraiga, cómo responde al calor, cómo se recupera después de una poda y cómo cambia su relación con las personas a medida que pasan los años.
Un jardín atraviesa distintos estados a lo largo del año.
Hay semanas de floración, periodos de crecimiento, momentos de reposo y ajustes que solo se comprenden con el tiempo. Esa variación forma parte de su naturaleza.
En Sumo Detalle diseñamos para que cada una de esas fases mantenga su coherencia. Observamos la estructura que permanece cuando termina la floración, la sombra que llegará con la madurez, la respuesta de las especies al calor y al viento, el mantenimiento y la forma en que las personas utilizarán el espacio.
Un jardín pensado únicamente alrededor de su imagen inicial puede envejecer mal. Cuando el proyecto parte del lugar, el clima y el desarrollo real de las plantas, el paisaje suele ganar carácter con los años.
De los prerrafaelitas me interesa especialmente esa disciplina de la mirada: detenerse, observar y conceder importancia a lo que fácilmente podría pasar desapercibido.
Podríamos llamar paisajismo prerrafaelita a esa forma de diseñar atenta al detalle, a los ciclos y a la realidad material del lugar. El término describe una práctica de observación, ajena a cualquier imitación estética.
Aplicado al paisajismo, supone mostrar también el proceso, aceptar la estacionalidad y pensar en lo que el jardín será dentro de cinco o diez años.
Su valor se comprueba después, cuando el espacio se habita, atraviesa las estaciones y madura sin perder coherencia.
